Leroy Holmes • One Note Samba

 

 

Charlie Dennard • Trio-zinho

 

 

Charlie Dennard is an American keyboardist, composer and arranger who was the musical director for 3 different Cirque du Soleil shows over the last 15 years. Charlie has performed and recorded internationally with a variety of jazz, blues and world music ensembles as well as theatrical productions. Dennard was a piano student of the legendary Ellis Marsalis at UNO (MM '02).

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Charlie Dennard es un teclista, compositor y arreglista estadounidense que ha sido director musical de 3 espectáculos diferentes del Cirque du Soleil en los últimos 15 años. Charlie ha actuado y grabado internacionalmente con diversos conjuntos de jazz, blues y músicas del mundo, así como con producciones teatrales. Dennard fue alumno de piano del legendario Ellis Marsalis en la UNO (MM '02).


www.charliedennard.com ...

Charlie Byrd • Forever Cool Samba And Bossa Nova

 

 

Artist Biography by Richard S. Ginell

Tasteful, low-key, and ingratiatingly melodic, Charlie Byrd had two notable accomplishments to his credit -- applying acoustic classical guitar techniques to jazz and popular music and helping to introduce Brazilian music to mass North American audiences. Born into a musical family, Byrd experienced his first brush with greatness while a teenager in France during World War II, playing with his idol Django Reinhardt. After some postwar gigs with Sol Yaged, Joe Marsala and Freddie Slack, Byrd temporarily abandoned jazz to study classical guitar with Sophocles Papas in 1950 and Andrés Segovia in 1954. However he re-emerged later in the decade gigging around the Washington D.C. area in jazz settings, often splitting his sets into distinct jazz and classical segments. He started recording for Savoy as a leader in 1957, and also recorded with the Woody Herman Band in 1958-59. A tour of South America under the aegis of the U.S. State Department in 1961, proved to be a revelation, for it was in Brazil that Byrd discovered the emerging bossa nova movement. Once back in D.C., he played some bossa nova tapes to Stan Getz, who then convinced Verve's Creed Taylor to record an album of Brazilian music with himself and Byrd. That album, Jazz Samba, became a pop hit in 1962 on the strength of the single "Desafinado" and launched the bossa nova wave in North America. Thanks to the bossa nova, several albums for Riverside followed, including the defining Bossa Nova Pelos Passaros, and he was able to land a major contract with Columbia, though the records from that association often consisted of watered-down easy listening pop. In 1973, he formed the group Great Guitars with Herb Ellis and Barney Kessel and also that year, wrote an instruction manual for the guitar that has become widely used. From 1974 onward, Byrd recorded for the Concord Jazz label in a variety of settings, including sessions with Laurindo Almeida and Bud Shank. He died December 2, 1999 after a long bout with cancer.

https://www.allmusic.com/artist/charlie-byrd-mn0000204968/biography

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Biografía del artista por Richard S. Ginell

De buen gusto, discreto y melódico, Charlie Byrd tuvo dos logros notables en su haber: aplicar técnicas de guitarra clásica acústica al jazz y a la música popular y ayudar a introducir la música brasileña al público norteamericano masivo. Nacido en el seno de una familia musical, Byrd experimentó su primer contacto con la grandeza mientras era un adolescente en Francia durante la Segunda Guerra Mundial, jugando con su ídolo Django Reinhardt. Después de algunos conciertos de posguerra con Sol Yaged, Joe Marsala y Freddie Slack, Byrd abandonó temporalmente el jazz para estudiar guitarra clásica con Sophocles Papas en 1950 y Andrés Segovia en 1954. Sin embargo, resurgió más tarde en la década tocando en el área de Washington D.C. en escenarios de jazz, a menudo dividiendo sus sets en distintos segmentos de jazz y clásicos. Comenzó a grabar para Savoy como líder en 1957, y también grabó con la Woody Herman Band en 1958-59. Una gira por Sudamérica bajo la égida del Departamento de Estado de Estados Unidos en 1961, resultó ser una revelación, pues fue en Brasil donde Byrd descubrió el emergente movimiento bossa nova. Una vez de vuelta en D.C., tocó algunas cintas de bossa nova a Stan Getz, quien luego convenció a Verve's Creed Taylor para que grabara un álbum de música brasileña con él y Byrd. Ese álbum, Jazz Samba, se convirtió en un éxito pop en 1962 con la fuerza del sencillo "Desafinado" y lanzó la ola de bossa nova en Norteamérica. Gracias a la bossa nova, le siguieron varios álbumes para Riverside, incluyendo el definitorio Bossa Nova Pelos Passaros, y pudo conseguir un importante contrato con Columbia, aunque los discos de esa asociación a menudo consistían en pop de fácil escucha diluido. En 1973, formó el grupo Great Guitars con Herb Ellis y Barney Kessel y también ese año, escribió un manual de instrucciones para la guitarra que ha llegado a ser ampliamente utilizado. A partir de 1974, Byrd grabó para el sello Concord Jazz en diversos escenarios, incluyendo sesiones con Laurindo Almeida y Bud Shank. Murió el 2 de diciembre de 1999 después de una larga lucha contra el cáncer.

https://www.allmusic.com/artist/charlie-byrd-mn0000204968/biography

 

 

Bud Shank ‎• Brasamba

One of the greatest albums of Brazilian jazz that Bud Shank ever recorded – done with a style that's a lot more like some of the best bossa albums from Rio at the time! Bud's recorded in other bossa settings before – but there's something about this record that really gets the whole thing right – as Shank's alto and flute come into play with a killer combo that includes Clare Fischer on piano, Larry Bunker on vibes and drums, Joe Pass on guitar, and Milt Holland and Chuck Flores on percussion. The added percussion really brings a lot to the set – and gives it a strongly bossa-driven groove that really lets Shank take off on alto and flute solos. Fischer's piano is remarkably strong – caught at that clear early point in his career when he was such a fresh voice on the scene. The whole thing's wonderful overall – and if you think you might have it under another name, check the song listings – because we bet you don't! Titles include "Sambinha", "Gostoso", "Elizete", "O Barquinho", "Brasamba", and "Otem A Note".

Source: Dusty Groove

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Traducción Automática:

¡Uno de los mejores álbumes de jazz brasileño que Bud Shank haya grabado, hecho con un estilo que se parece mucho a algunos de los mejores discos de bossa de Río de la época! Bud grabó en otros ajustes de bossa antes, pero hay algo en este disco que realmente lo hace todo bien, cuando el alto y la flauta de Shank entran en juego con un combo asesino que incluye a Clare Fischer en el piano, Larry Bunker en vibraciones y tambores, Joe Pass en guitarra, y Milt Holland y Chuck Flores en percusión. La percusión agregada realmente trae mucho al conjunto, y le da un surco fuertemente impulsado por la bossa que realmente permite a Shank despegar en los solos de flauta y alto. El piano de Fischer es extraordinariamente fuerte: se vio atrapado en ese claro punto temprano de su carrera cuando era una voz tan fresca en la escena. En general, todo es maravilloso, y si crees que puedes tenerlo bajo otro nombre, consulta los listados de canciones, ¡porque apostamos a que no! Los títulos incluyen "Sambinha", "Gostoso", "Elizete", "O Barquinho", "Brasamba" y "Otem A Note".

Fuente: Dusty Groove

Lalo Schifrin • Bossa Nova - New Brazilian Jazz

 

 Artist Biography

An Oscar- and Emmy-nominated film and television composer, classical composer, and acclaimed jazz pianist, Lalo Schifrin emerged as a big-band leader in the mid-'50s, collaborating with the likes of Dizzy Gillespie and Xavier Cugat before beginning to score films in the mid-'60s. His iconic theme to TV's Mission: Impossible was first broadcast in 1966. Following in the footsteps of John Barry and Monty Norman's "James Bond Theme," its orchestral jazz instrumentation (including prevalent flutes, brass, piano, bongos, and jazz drums) and adrenalized staccato, syncopated rhythms helped to define spy music for decades to follow. Much like contemporaries Michel Legrand, Henry Mancini, and André Previn, while he wrote in a variety of styles, Schifrin remained best known for his jazz-inflected scores. They also included crime films like 1968's Bullitt, which set an urban scene with a large jazz ensemble that included electric guitar and electric bass, and the Dirty Harry franchise (1971-1988). Though more varied, the Dirty Harry scores maintained an antsy jazz M.O. while updating the production palette over time to include more keyboards, strings, and rock-styled drums. After his Mission: Impossible theme was repurposed for a big-screen reboot in the mid-'90s, Schifrin combined jazz, rock, and lush orchestral tracks in his lively soundtracks for the Rush Hour action franchise in the late '90s and 2000s. Over 50 years after its introduction, his Mission: Impossible theme was still featured heavily in Lorne Balfe's music for the blockbuster sixth entry in the film series, 2018's Mission: Impossible - Fallout.

Born Boris Claudio Schifrin in Buenos Aires in 1932, Schifrin grew up with a father who played violin with the Teatro Colón Orchestra. When Lalo was six years old, his dad arranged for him to begin studying piano with Enrique Barenboim, father of celebrated pianist/conductor Daniel Barenboim. As a teenager, he studied piano with the former head of the Kiev Conservatory, Andreas Karalis, and harmony with composer Juan Carlos Paz. After winning a scholarship to the Paris Conservatory in the early '50s, he studied with French composers Charles Koechlin and Olivier Messiaen. In his off hours, he played in Parisian jazz clubs, and in 1955, he represented Argentina in the Paris International Jazz Festival. After returning to Buenos Aires, he started his own 16-piece, Basie-style jazz band, the first of its kind in Argentina, and found work as a pianist and arranger. His status as a bandleader helped him meet Dizzy Gillespie in 1956, and Schifrin offered to write a suite for Gillespie. He completed the five-movement Gillespiana in 1958, the same year he became an arranger for Xavier Cugat. In 1960, Schifrin moved to New York City and joined Gillespie's quintet, which recorded Gillespiana to much acclaim. He became Gillespie's musical director until 1962, contributing another suite, The New Continent, before leaving the position to concentrate on his writing. Schifrin accepted his first film-scoring assignment in the U.S. in 1963 (Rhino!) and moved to Hollywood, soon finding a niche composing for both TV and the silver screen. In the meantime, he composed works marked by his jazz-classical fusion style, including the 1963 ballet Jazz Faust and 1965's Jazz Suite on the Mass Texts.

After establishing himself on episodes of television series such as The Alfred Hitchcock Hour and The Man from U.N.C.L.E., Schifrin joined the music department of the spy series Mission: Impossible. It premiered on CBS in 1966 and featured his catchy 5/4 instrumental "Theme from Mission: Impossible," a track that would live on in TV-music collections for decades to come. He followed it a year later with his theme to Mannix, around the same time he was becoming known for his jazzy scores to high-profile crime films such as Cool Hand Luke (1967) and Bullitt (1968). He earned his first Academy Award nomination for Cool Hand Luke and his second a year later for the D.H. Lawrence drama The Fox. Schifrin composed the music for the Don Siegel-directed Coogan's Bluff, starring Clint Eastwood, in 1968. He reunited with the pair on 1971's Dirty Harry and went on to write music for four of the five remaining films in the series, which extended through the '80s (1976's The Enforcer was composed by Jerry Fielding). During that time span, he also wrote scores for films as diverse as the 1976 war film Voyage of the Damned (his third Oscar nomination), Disney's The Cat from Outer Space from 1978, and the 1979 horror classic The Amityville Horror (his fourth Oscar nomination). He received two more Academy Award nominations in the '80s, for The Competition (1980) and The Sting II (1983).

While he continued to write frequently for movies and TV, Schifrin returned some of his focus to classical works during the '90s, a decade that saw the release of the first three in a series of orchestral jazz albums called Jazz Meets the Symphony. He also arranged much of the music for the first three of the Three Tenors concerts. In 1996, his Mission: Impossible theme reached another generation when it was repurposed for a series of films starring Tom Cruise. U2's Adam Clayton and Larry Mullen, Jr. produced a dance version of the theme that reached the Top Ten of the singles charts in the U.S. and U.K. Still writing original material for film, beginning in 1998, Schifrin provided playful orchestral scores for the first three entries in the Rush Hour series, starring Jackie Chan.

Schifrin stayed active in Hollywood in his seventies, scoring films such as the crime film After the Sunset and the horror movie Abominable (directed by his son, Ryan Schifrin), in addition to Rush Hour 3 in the 2000s. The third, fourth, and fifth Mission: Impossible films saw release during the 2010s, as did the Schifrin-scored romantic comedy Love Story (2011) and basketball bio-pic Sweetwater (2016).

by Marcy Donelson

https://www.allmusic.com/artist/lalo-schifrin-mn0000781932/biography

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Lalo Schifrin (Boris Claudio Schifrin, Buenos Aires, 21 de junio de 1932) es un pianista, compositor, arreglista y director de orquesta argentino, nacído en una familia judía. Es conocido por haber compuesto múltiples bandas sonoras de películas y series de televisión, especialmente el tema principal de Misión imposible. A lo largo de su carrera recibió cuatro Premios Grammy, un Premio Cable ACE, seis nominaciones del Premio de la Academia y cuatro al Premio Emmy. Posee una estrella en el Paseo de la fama de Hollywood.

El compositor argentino fue encargado de recibir el Premio Óscar en noviembre de 2018, como reconocimiento a su exitosa trayectoria profesional, anunció la Academia de Hollywood en una nota de prensa.1

Índice

Animado por su padre, violinista sinfónico, Lalo comenzó a tocar el piano a los 6 años. Cursó su secundario en el Colegio Nacional de Buenos Aires. En 1952, entró a estudiar en el Conservatoire de Paris y participó de la vida jazzística nocturna parisina (a la que era muy aficionado entonces el escritor argentino Julio Cortázar).

Tras regresar a Buenos Aires, Schifrin formó una big band. En 1956 conoció al trompetista Dizzy Gillespie, que venía acompañado de Quincy Jones; ambos compartieron un encuentro fortuito en el que improvisaron junto a Schifrin y su joven amigo Astor Piazzolla.

Gillespie luego le encargó que escribiera para él. El trabajo fue una suite de cinco movimientos, titulada Gillespiana, que terminó en 1958.

Ese año se convirtió en el arreglista del músico español Xavier Cugat.

En 1960 se trasladó a Nueva York y se unió al quinteto de Gillespie que, tras grabar "Gillespiana", obtuvo un gran éxito. Schifrin se convirtió en el director musical de Gillespie hasta 1962.

A partir de ese año se centró en su carrera como compositor y director, casi siempre con una orientación de jazz latino y de bossa nova; aceptó, además, en 1963 su primera colaboración con el mundo del cine. Schifrin se traslada a Hollywood, consiguiendo grandes éxitos con sus temas para series como Misión Imposible (1966), Mannix (1967), y Starsky y Hutch (1975-76).

También compuso la música de la película de culto de George Lucas THX 1138 (1971). Durante la década de los setenta, escribió la música para películas como The Cincinnati Kid, Bullitt, Cool Hand Luke, Harry el sucio y Enter the Dragon.

Como músico de jazz, escribió la suite Jazz Mass en 1965, y se aproximó al jazz-funk con su disco de 1975 Black Widow. En 1985 recibió el Premio Konex - Diploma al Mérito como uno de los mejores jazzistas de la Argentina. Continuó con su trabajo para el cine a lo largo de la década de los noventa.

Grabó, además, una serie de discos de jazz orquestal llamados Jazz Meets the Symphony, y se convirtió en el principal arreglista de Los Tres Tenores, lo que suscitaría su actual interés por la música clásica.

En 2016 la Cinemateca Francesa le rindió tributo con la edición de The Sound Of Lalo Schifrin, una caja de cinco CD. Además, fue el invitado especial de la tercera edición del Festival de Cine y Música de Películas de La Baule, con un concierto en su honor. "Yo tengo un don. No sé quién me lo dio, pero tengo mucha suerte: a veces, veo una imagen y ya me imagino la música" dijo Schifrin en un reportaje.

El 17 y 18 de enero de 2020 se realizan en su homenaje dos conciertos denominados Tributo a Lalo Schifrin en el Symphony Space de Nueva York, promovidos por la Afro Latin Jazz Orchestra (ALJO) de Arturo O'Farrill. En el programa se incluyen su Suite Gillespiana, obras de Emilio Solla, Pablo Aslan, Guillermo Klein, Sofía Rei, Richard Nant y Horacio Salgán y se estrena Lalo cura la locura de Gabriel Senanes, composición encomendada por la ALJO, con dirección del propio compositor.
https://es.wikipedia.org/wiki/Lalo_Schifrin

schifrin.com ...

The L.A. Four • The L.A. Four Scores!

 

 

Review by Scott Yanow
Altoist Bud Shank (who doubles on flute) and acoustic guitarist Laurindo Almeida first teamed up in 1954 to make a couple of albums called Brazilliance that hinted at but greatly predated bossa nova. Shank and Almeida came together 20 years later to form the L.A. Four, a quartet also including bassist Ray Brown and drummer Shelly Manne. Their debut recording as a unit was made at the 1974 Concord Jazz Festival, and it finds the appealing musicians blending together well on bossa nova tunes (including "Manha de Carnaval"), Almeida's classical-oriented originals, and some swing. This was a particularly inventive chamber jazz band.
https://www.allmusic.com/album/the-la-4-scores%21-mw0000196876

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Reseña de Scott Yanow
El altoista Bud Shank (que toca la flauta) y el guitarrista acústico Laurindo Almeida se unieron por primera vez en 1954 para hacer un par de álbumes llamados Brazilliance que insinuaban pero eran muy anteriores a la bossa nova. Shank y Almeida se unieron 20 años después para formar L. A. Four, un cuarteto que también incluía al bajista Ray Brown y la baterista Shelly Manne. Su grabación debut como unidad se realizó en el Festival de Jazz de Concord de 1974, y encuentra a los atractivos músicos mezclándose bien en melodías de bossa nova( incluida "Manha de Carnaval"), los originales orientados a la música clásica de Almeida y algo de swing. Se trataba de una banda de jazz de cámara particularmente inventiva.
https://www.allmusic.com/album/the-la-4-scores%21-mw0000196876

Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Bahama Soul Club • Bohemia After Dawn

 

 

Kicking around for fifteen years in the inter-continental Soul Jazz scene, Portuguese based outfit The Bahama Soul Club treats the audience to purest sunshine on their new album "Sundub Society"! This is the group's sixth studio LP, which finds its spirit on the coasts of the Algarve, where it was recorded.
A commitment to a colourful community and inspired by the blissful energies of the sun drenched coast and the multicultural verve of tattooed wave riders, spiritual seekers, rainbow healers, mystic maidens and dreadlocked beauties, .... and of course the funky smell of sandy flip flops.
Lush arrangements painted with sun-soaked brushes, captivating hangout vibes, shuffling bits of Reggae, woven threads of 70s roots, traditional rhythms and beats and sounds of the South Western Algarve.
Sincere, artistic, full of spirit and definitely unique. No striving for the worldly charts. An album recorded mainly with the local legends, stoned troubadoures, poetic pirates and tough rebels.
The songs were born from a vague idea after the release of "Bohemia After Dawn", the last album on which a few artist friends from the Algarve had already contributed.
There is always a special magic in the neighborhood when sunny midday jams morph to sundown sessions to party-till-dawn skanks. We then just put those jams on tape. So, ten sundubby love songs to 'Oh, those sandy beaches!' The SUNDUB SOCIETY, my lovely family at the End Of The World: Josephine Nightingale, Tiago Saga, Ally Garrido, Naomi Falcon, Cutty Wren, Hedvig Larsson, Chicks On Beer, etc. …  

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Pateando durante quince años en la escena intercontinental del Soul Jazz, el equipo portugués Bahama Soul Club deleita al público con el sol más puro en su nuevo álbum "Sundub Society". Este es el sexto LP de estudio del grupo, que encuentra su espíritu en las costas del Algarve, donde fue grabado.
Un compromiso con una comunidad colorida e inspirada por las energías dichosas de la costa bañada por el sol y el entusiasmo multicultural de los jinetes de olas tatuados, buscadores espirituales, curanderos del arcoíris, doncellas místicas y bellezas con rastas .... y, por supuesto, el olor funky de las chanclas de arena.
Exuberantes arreglos pintados con pinceles bañados por el sol, cautivadoras vibraciones de lugares de reunión, barajando fragmentos de Reggae, hilos tejidos de raíces de los 70, ritmos tradicionales y ritmos y sonidos del suroeste del Algarve.
Sincero, artístico, lleno de espíritu y definitivamente único. Nada de luchar por los gráficos mundanos. Un disco grabado principalmente con las leyendas locales, trovadores apedreados, piratas poéticos y rebeldes rudos.
Las canciones nacieron de una idea vaga después del lanzamiento de "Bohemia After Dawn", el último álbum en el que ya habían contribuido algunos artistas amigos del Algarve.
Siempre hay una magia especial en el vecindario cuando las soleadas mermeladas del mediodía se transforman en sesiones al atardecer para festejar hasta el amanecer. Luego simplemente grabamos esos atascos. Entonces, diez canciones de amor de sundubby para ' ¡Oh, esas playas de arena!'La SOCIEDAD SUNDUB, mi encantadora familia en el Fin del Mundo: Josephine Nightingale, Tiago Saga, Ally Garrido, Naomi Falcon, Cutty Wren, Hedvig Larsson, Chicks On Beer, etc. …

facebook.com/bahamasoulclub ...

VA • Verve Jazz Club - Bossa Nova

Tamba Trio, Sergio Mendes Trio, Klaus Doldinger Quartet, Baden Powell, Joe Pass, Oscar Peterson Trio, Art Van Damme, Ella Fitzgerald, Coleman Hawkins, Astrud Gilberto, Bob Brookmeyer, Elsie Bianchi, Stan Getz & Laurindo Almeida, Antônio Carlos Jobim ...

Baden Powell • Apresentando Baden Powell E Seu Violão + 2 BT

 

 

Biography by Alvaro Neder
Baden Powell is a Brazilian musician with a solid international reputation. A gifted instrumentalist and composer, he bridges the gap between classical artistry and popular warmth and was a key figure in the bossa nova movement.

Born in Varre-Sai in the state of Rio de Janeiro, he was baptized after his grandfather, a musician and conductor himself, whose father was an admirer of the Boy Scouts founder. When he was four months old, his family moved to the hill of São Cristóvão in the city of Rio. His father, the violonista Lino de Aquino, promoted regular get-togethers (rodas) of chorões at his home, at which famous names of Rio's music used to play, such as Pixinguinha, his brother China, the sambista Donga, and so many others. At eight, his father took him to Rádio Nacional where Powell met Meira (Jaime Florence), a famous violonista at the time a member of Benedicto Lacerda's regional. Powell would study violão with him for five years. Through Meira, a broad-minded musician, he discovered classics such as Segovia and Tarrega, along with Brazilian masters such as Garoto and Dilermando Reis. At nine, he presented himself at Renato Murce's show Papel Carbono on Rádio Nacional, winning first place as a guitar soloist. At 13, he used to run from school, earning his first cachets at the neighborhood parties. After finishing high school, he joined the cast of Rádio Nacional as an accompanist. In that time, he traveled through Brazil with the radio's singers. In 1955, he joined Ed Lincoln's trio, playing jazz at the Plaza nightclub. The place was a focal point for musicians, journalists, and aficionados interested in jazz. It should be regarded as the second place where bossa nova was being generated (the first being Cantina do César, after Johnny Alf's first appearances), contrary to the common notion of bossa being born at Zona Sul (South side's) apartments.

At that time, Powell began to compose "Deve Ser Amor," "Encontro Com a Saudade," "Não é Bem Assim," and his first big hit, 1956's "Samba Triste," with lyrics by Billy Blanco and which would be recorded by Lúcio Alves in 1960. In 1962, he met his future partner, Vinícius de Moraes, a composer, poet, singer, and diplomat. Their first song was "Canção de Ninar Meu Bem," a great success from the beginning. Following that, they came up with "Samba em Prelúdio" (recorded still in 1962 by Geraldo Vandré/Ana Lúcia), "Consolação" (recorded by Nara Leão), "Samba da Bênção," "Tem Dó," "Só por Amor," "Bom Dia, Amigo," "Labareda," and "Samba do Astronauta" (recorded by Powell in 1964). At this point, Powell was already a renowned musician and composer, with good connections on the artistic scene and wide exposure in the media. In that year, he accompanied Sílvia Telles at her famous show at the Jirau nightclub. In 1963, he recorded his first LP, Um Violão na Madrugada (Philips). In that year, he traveled to Paris where he presented himself at the Olympia theater with great success, using a repertoire of classical music and his own compositions. He also played regularly in a season at the Bilboquet nightclub and composed the soundtrack to the movie Le Grabuje. In 1964, he returned to Brazil and recorded the LP À Vontade, which included a composition by Tom Jobim and Vinícius, "Samba do Avião." He also wrote, in that year, the samba "Berimbau" with lyrics by Vinícius. Other duo's compositions that year were "Além do Amor," "Valsa sem Nome," "Deve ser Amor," "Canção do Amor Ausente," "Consolação," "Deixa," "Amei Tanto," "Tempo Feliz," and "Samba da Bênção." The latter was included in Claude Lelouch's movie Un Homme et une Femme, under the title "Samba Saravah."

Traveling to Bahia, Powell stayed there for six months and researched the Afro traditions developed on Brazilian soil, especially the musical tradition emanating from the ancient sorcery rituals of candomblé and umbanda. The next phase of his compositional association with Vinícius would be called by Powell as the Afro-sambas, mirroring the findings of that period: 1965's "Tristeza e Solidão" and "Bocoché" and 1966's "Canto do Xangô" and "Canto de Ossanha," the latter recorded by Elis Regina in 1966 with great success. Taking Bahia folklore, Powell added his Carioca touch, bringing the Afro tradition a more Brazilian feeling. In 1999, Powell, recently converted, regretted and deplored the Afro-samba phase as "devil's music" in a controverted and disappointing interview.

In 1965, fundamental singer Elizeth Cardoso presented Powell/Vinícius' "Valsa do Amor que Não Vem" at the first Festival of Brazilian Popular Music (TV Excelsior), São Paulo, winning second place. The next year, Aluísio de Oliveira produced another album by Powell, this time for his own landmark label Elenco, that deeply engaged in the use of the best musicians, leaving the commercial side in the background; unfortunately, it caused the excellent label's demise some years later. Taking advantage of the Brazilian tour of Caterina Valente, who was being accompanied by drummer Jimmy Pratt, de Oliveira took him and recorded Baden Powell Swings With Jimmy Pratt. Also in that year, TV Excelsior promoted the National Festival of Popular Music, at which novice Milton Nascimento won fourth place with "Cidade Vazia" (Powell/Lula Freire) and Powell with Vinícius recorded their Afro-sambas "Canto de Xangô," "Canto de Iemanjá," and "Canto de Ossanha" for Forma, along with "Berimbau" and "Samba da Bênção." He also took a season with Elis Regina at Rio's nightclub Zum-Zum. The LPs O Mundo Musical de Baden Powell (Barclay/RGE), recorded in France; Baden Powell ao Vivo no Teatro Santa Rosa (Elenco); and Tempo Feliz

(Forma/Philips) were all recorded in 1966. In that period, he played in the U.S. with Stan Getz. In 1967, he recorded in Paris, France, the album O Mundo Musical No. 2, accompanied by the Paris Symphonic Orchestra. In that year, his O Mundo Musical de Baden Powell was awarded with the Golden Record in Paris and he presented himself at the Jazz Festival in Berlin, Germany, with American jazz guitarists Jim Hall and Barney Kessel. In 1968, a novice Paulo César Pinheiro (now a renowned samba composer) composed with Powell the samba "Lapinha," which was presented by Elis Regina at the TV Record's first Samba Biennial, winning first place. The duo would also compose, among others, "Cancioneiro," "Samba do Perdão," "Meu Réquiem," "É de Lei," "Refém da Solidão," "Aviso aos Navegantes," and "Carta de Poeta." Also from 1968 is the LP Baden Powell (Elenco) with the famous "Manhã de Carnaval" or "Carnival," by Luís Bonfá and Antônio Maria, and the show O Mundo Musical de Baden Powell. In 1969, he recorded Vinte e Sete Horas de Estúdio (Elenco). Next year in Paris, he recorded for Barklay the three-album box set Baden Powell Quartet and the LP Baden Powell, which had Pixinguinha's songs. For Elenco, he recorded the LP Estudos. In 1972, he recorded for Philips the LP É de Lei. Solitude on Guitar was recorded the next year in Germany and in 1974, he recorded in Paris the live LP Baden Powell (Barklay/RGE), and in 1975 recorded the LP Baden Powell Trio & Ópera de Frankfurt. He then moved to Baden-Baden (Germany), staying there for four years. In 1994, already living in Brazil again, he released the record Baden Powell de Rio à Paris. In that same year, he performed together with his sons, Louis Marcel (violão) and Phillipe (piano), at the Cecília Meireles Hall in Rio, with the concert recorded and released on a CD, titled Baden Powell & Filhos, through CID. In 1995, his concert at the Montreux Festival was recorded on CD under the title Baden Powell Live in Montreux. Also in that year, he was awarded with the Prêmio Shell for his complete works. In 1996, he toured in France with Brazilian accordionist Sivuca and recorded the CD Baden Powell Live at the Rio Jazz Club. After spending several weeks in the hospital, Baden Powell died on September 26, 2000, at the age of 63.
https://www.allmusic.com/artist/baden-powell-mn0000765585#biography

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Biografía de Álvaro Neder
Baden Powell es un músico brasileño con una sólida reputación internacional. Un talentoso instrumentista y compositor, cierra la brecha entre el arte clásico y la calidez popular y fue una figura clave en el movimiento bossa nova.

Nacido en Varre-Sai, en el estado de Río de Janeiro, fue bautizado en honor a su abuelo, músico y director de orquesta, cuyo padre era admirador del fundador de los Boy Scouts. Cuando tenía cuatro meses, su familia se mudó al cerro de São Cristóvão en la ciudad de Río. Su padre, el violinista Lino de Aquino, promovía reuniones regulares (rodas) de chorões en su casa, en las que solían tocar nombres famosos de la música carioca, como Pixinguinha, su hermano China, el sambista Donga y muchos otros. A los ocho años, su padre lo llevó a la Radio Nacional, donde Powell conoció a Meira (Jaime Florence), un famoso violinista en ese momento miembro de la regional de Benedicto Lacerda. Powell estudiaría violão con él durante cinco años. A través de Meira, músico de mente abierta, descubrió clásicos como Segovia y Tarrega, junto a maestros brasileños como Garoto y Dilermando Reis. A los nueve años se presentó en el programa Papel Carbono de Renato Murce en Radio Nacional, ganando el primer lugar como solista de guitarra. A los 13 años, solía huir de la escuela, ganando sus primeros cachets en las fiestas del vecindario. Después de terminar la secundaria, se unió al elenco de Rádio Nacional como acompañante. En ese tiempo, viajó por Brasil con los cantantes de la radio. En 1955, se unió al trío de Ed Lincoln, tocando jazz en el club nocturno Plaza. El lugar fue un punto focal para músicos, periodistas y aficionados interesados en el jazz. Debería considerarse como el segundo lugar donde se estaba generando bossa nova( el primero fue Cantina do César, después de las primeras apariciones de Johnny Alf), contrariamente a la noción común de que la bossa nació en los apartamentos de la Zona Sur (South side).

En ese momento, Powell comenzó a componer "Deve Ser Amor", "Encontro Com a Saudade", "Não é Bem Assim" y su primer gran éxito, "Samba Triste" de 1956, con letra de Billy Blanco y que sería grabado por Lúcio Alves en 1960. En 1962 conoció a su futuro socio, Vinícius de Moraes, compositor, poeta, cantante y diplomático. Su primera canción fue "Canção de Ninar Meu Bem", un gran éxito desde el principio. A continuación, se les ocurrió "Samba em Prelúdio" (grabada todavía en 1962 por Geraldo Vandré/Ana Lúcia), "Consolação" (grabada por Nara Leão), "Samba da Bênção", "Tem Dó", "Só por Amor", "Bom Dia, Amigo", "Labareda" y "Samba do Astronauta" (grabada por Powell en 1964). En este punto, Powell ya era un músico y compositor de renombre, con buenas conexiones en la escena artística y amplia exposición en los medios. En ese año, acompañó a Sílvia Telles en su famoso espectáculo en la discoteca Jirau. En 1963 grabó su primer LP, Um Violão na Madrugada (Philips). En ese año, viajó a París donde se presentó en el teatro Olympia con gran éxito, utilizando un repertorio de música clásica y composiciones propias. También tocó regularmente en una temporada en la discoteca Bilboquet y compuso la banda sonora de la película Le Grabuje. En 1964, regresó a Brasil y grabó el LP À Vontade, que incluía una composición de Tom Jobim y Vinícius, "Samba do Avião."También escribió, en ese año, la samba "Berimbau" con letra de Vinícius. Otras composiciones del dúo ese año fueron "Além do Amor", "Valsa sem Nome"," Deve ser Amor"," Canção do Amor Ausente"," Consolação"," Deixa"," Amei Tanto"," Tempo Feliz "y" Samba da Bênção."Este último fue incluido en la película Un Homme et une Femme de Claude Lelouch, bajo el título "Samba Saravah."

Viajando a Bahía, Powell permaneció allí durante seis meses e investigó las tradiciones afro desarrolladas en suelo brasileño, especialmente la tradición musical que emana de los antiguos rituales de brujería del candomblé y la umbanda. La siguiente fase de su asociación compositiva con Vinícius sería denominada por Powell como las Afro-sambas, reflejando los hallazgos de ese período: "Tristeza e Solidão" y "Bocoché" de 1965 y "Canto do Xangô" y "Canto de Ossanha" de 1966, este último grabado por Elis Regina en 1966 con gran éxito. Tomando el folclore bahiano, Powell agregó su toque carioca, trayendo a la tradición afro un sentimiento más brasileño. En 1999, Powell, recientemente convertido, lamentó y deploró la fase afro-samba como "música del diablo" en una entrevista controvertida y decepcionante.

En 1965, la cantante fundamental Elizeth Cardoso presentó "Valsa do Amor que Não Vem" de Powell/Vinícius en el primer Festival de Música Popular Brasileña (TV Excelsior), São Paulo, ganando el segundo lugar. Al año siguiente, Aluísio de Oliveira produjo otro álbum de Powell, esta vez para su propio sello de referencia, Elenco, que se involucró profundamente en el uso de los mejores músicos, dejando el lado comercial en un segundo plano; desafortunadamente, provocó la desaparición del excelente sello algunos años después. Aprovechando la gira brasileña de Caterina Valente, quien estaba acompañada por el baterista Jimmy Pratt, de Oliveira lo llevó y grabó Baden Powell Swings Con Jimmy Pratt. También en ese año, TV Excelsior promovió el Festival Nacional de Música Popular, en el que el novato Milton Nascimento ganó el cuarto lugar con "Cidade Vazia" (Powell/Lula Freire) y Powell con Vinícius grabaron sus Afro-sambas "Canto de Xangô", "Canto de Iemanjá" y "Canto de Ossanha" para Forma, junto con "Berimbau" y "Samba da Bênção."También se tomó una temporada con Elis Regina en el club nocturno Zum-Zum de Río. Los LP O Mundo Musical de Baden Powell (Barclay/RGE), grabados en Francia; Baden Powell ao Vivo no Teatro Santa Rosa( Elenco); y Tempo Feliz

(Forma/Philips) fueron grabadas en 1966. En ese período, jugó en los EE. UU. con Stan Getz. En 1967 grabó en París, Francia, el álbum O Mundo Musical No. 2, acompañado por la Orquesta Sinfónica de París. En ese año, su O Mundo Musical de Baden Powell fue galardonado con el Disco de Oro en París y se presentó en el Festival de Jazz de Berlín, Alemania, con los guitarristas de jazz estadounidenses Jim Hall y Barney Kessel. En 1968, un novato Paulo César Pinheiro (ahora un reconocido compositor de samba) compuso con Powell la samba "Lapinha", que fue presentada por Elis Regina en la primera Bienal de Samba de TV Record, ganando el primer lugar. El dúo también compondría ,entre otros, "Cancioneiro", "Samba do Perdão", "Meu Réquiem", "É de Lei", "Refém da Solidão", "Aviso aos Navegantes" y " Carta de Poeta."También de 1968 es el LP Baden Powell (Elenco) con el famoso" Manhã de Carnaval "o" Carnaval", de Luís Bonfá y Antônio Maria, y el espectáculo O Mundo Musical de Baden Powell. En 1969 grabó Vinte e Sete Horas de Estúdio (Elenco). Al año siguiente, en París, grabó para Barklay el box set de tres álbumes Baden Powell Quartet y el LP Baden Powell, que tenía canciones de Pixinguinha. Para Elenco grabó el LP Estudos. En 1972, grabó para Philips el LP É de Lei. Solitude on Guitar se grabó al año siguiente en Alemania y en 1974 grabó en París el LP en directo Baden Powell (Barklay/RGE), y en 1975 grabó el LP Baden Powell Trio & Ópera de Frankfurt. Luego se mudó a Baden-Baden( Alemania), permaneciendo allí durante cuatro años. En 1994, ya viviendo nuevamente en Brasil, lanzó el disco Baden Powell de Rio à Paris. En ese mismo año, actuó junto a sus hijos, Louis Marcel (violão) y Phillipe( piano), en la Sala Cecília Meireles de Río, con el concierto grabado y editado en un CD, titulado Baden Powell & Filhos, a través del CID. En 1995, su concierto en el Festival de Montreux fue grabado en CD con el título Baden Powell Live in Montreux. También en ese año, fue galardonado con el Prêmio Shell por sus obras completas. En 1996, realizó una gira por Francia con el acordeonista brasileño Sivuca y grabó el CD Baden Powell en vivo en el Rio Jazz Club. Después de pasar varias semanas en el hospital, Baden Powell murió el 26 de septiembre de 2000, a la edad de 63 años.

https://www.allmusic.com/artist/baden-powell-mn0000765585#biography

Zoot Sims • New Beat Bossa Nova Vol 1+Vol 2

 

Biography by Scott Yanow
Throughout his career, Zoot Sims was famous for epitomizing the swinging musician, never playing an inappropriate phrase. He always sounded inspired, and although his style did not change much after the early 1950s, Zoot's enthusiasm and creativity never wavered.

Zoot's family was involved in vaudeville, and he played drums and clarinet as a youth. His older brother, Ray Sims, developed into a fine trombonist who sounded like Bill Harris. At age 13, Sims switched permanently to the tenor, and his initial inspiration was Lester Young, although he soon developed his own cool-toned sound. Sims was a professional by the age of 15, landing his first important job with Bobby Sherwood's Orchestra, and he joined Benny Goodman's big band for the first time in 1943; he would be one of BG's favorite tenormen for the next 30 years. He recorded with Joe Bushkin in 1944, and even at that early stage, his style was largely set.

After a period in the Army, Sims was with Goodman from 1946-1947. He gained his initial fame as one of Woody Herman's "Four Brothers" during his time with the Second Herd (1947-1949). Zoot had brief stints with Buddy Rich's short-lived big band, Artie Shaw, Goodman (1950), Chubby Jackson, and Elliot Lawrence. He toured and recorded with Stan Kenton (1953) and Gerry Mulligan (1954-1956). Sims was also a star soloist with Mulligan's Concert Jazz Band of the early '60s and visited the Soviet Union with Benny Goodman in 1962. A freelancer throughout most of his career, Sims often led his own combos or co-led bands with his friend Al Cohn; the two tenors had very similar sounds and styles. Zoot started doubling on soprano quite effectively in the '70s. Through the years, he appeared in countless situations, and always seemed to come out ahead. Fortunately, Zoot Sims recorded frequently, leading sessions for Prestige, Metronome, Vogue, Dawn, Storyville, Argo, ABC-Paramount, Riverside, United Artists, Pacific Jazz, Bethlehem, Colpix, Impulse, Groove Merchant, Famous Door, Choice, Sonet, and a wonderful series for Pablo.
https://www.allmusic.com/artist/zoot-sims-mn0000228087/biography

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Biografía de Scott Yanow
A lo largo de su carrera, Zoot Sims fue famoso por personificar al músico del swing, nunca tocando una frase inapropiada. Siempre sonaba inspirado, y aunque su estilo no cambió mucho después de los primeros años 50, el entusiasmo y la creatividad de Zoot nunca flaqueó.

La familia de Zoot se dedicaba al vodevil, y él tocaba la batería y el clarinete en su juventud. Su hermano mayor, Ray Sims, se convirtió en un fino trombonista que sonaba como Bill Harris. A los 13 años, Sims cambió permanentemente al tenor, y su inspiración inicial fue Lester Young, aunque pronto desarrolló su propio sonido de tono fresco. Sims era un profesional a los 15 años, consiguiendo su primer trabajo importante con la Orquesta de Bobby Sherwood, y se unió a la gran banda de Benny Goodman por primera vez en 1943; sería uno de los tenores favoritos de BG durante los siguientes 30 años. Grabó con Joe Bushkin en 1944, e incluso en esa primera etapa, su estilo estaba muy marcado.

Después de un período en el ejército, Sims estuvo con Goodman de 1946 a 1947. Ganó su fama inicial como uno de los "Cuatro Hermanos" de Woody Herman durante su estancia en la Segunda Manada (1947-1949). Zoot tuvo breves estancias en la corta vida de la gran banda de Buddy Rich, Artie Shaw, Goodman (1950), Chubby Jackson, y Elliot Lawrence. Hizo giras y grabó con Stan Kenton (1953) y Gerry Mulligan (1954-1956). Sims también fue un solista estrella de la Concert Jazz Band de Mulligan a principios de los años 60 y visitó la Unión Soviética con Benny Goodman en 1962. Trabajó por cuenta propia durante la mayor parte de su carrera, y a menudo dirigió sus propios combos o bandas codirigidas con su amigo Al Cohn; los dos tenores tenían sonidos y estilos muy similares. Zoot empezó a doblar a la soprano de forma bastante efectiva en los 70. A través de los años, apareció en innumerables situaciones, y siempre pareció salir adelante. Afortunadamente, Zoot Sims grabó con frecuencia, dirigiendo sesiones para Prestige, Metronome, Vogue, Dawn, Storyville, Argo, ABC-Paramount, Riverside, United Artists, Pacific Jazz, Bethlehem, Colpix, Impulse, Groove Merchant, Famous Door, Choice, Sonet, y una maravillosa serie para Pablo.
https://www.allmusic.com/artist/zoot-sims-mn0000228087/biography

 

 

zootsims.jazzgiants.net ...

 

Cal Tjader & Charlie Byrd • Tambu

 

Review by Richard S. Ginell

Still trying to stay in tune with the Seventies, Cal Tjader joins forces with another refugee from another time, guitarist Charlie Byrd, for an album of contemporary Brazilian-flavored jazz. The alliance is forged mostly on Byrd's terms, with bossa nova, samba and percussive displays from Brazil's interior dominating the grooves. This time, after proving very adaptable to previous experiments, Tjader seems to be out in the cold in these settings, and he lays out a lot more often than usual on this album. Byrd rides along in his gentle, prickly-toned manner on acoustic and electric guitars, and the rhythm section shifts personnel and instruments from track to track. Yet oddly enough, this is still a musically rich feast. Electric pianist Mike Wolff's "Samba de Oneida" is a marvelously propulsive samba, and "Tereza My Love," one of Antonio Carlos Jobim's most attractive sleepers, is given a lovely rendition. The title track, written by Airto Moreira, is given an authentic, rambunctious Airto-style treatment, very much up-to-date, but Cal doesn't sound totally comfortable with the rhythm on vibes, spending most of his time on timbales. Even though this isn't prime Tjader, the overall quality of the music makes it a winner.

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Reseña de Richard S. Ginell

Aún tratando de mantenerse en sintonía con los años setenta, Cal Tjader une fuerzas con otro refugiado de otro tiempo, el guitarrista Charlie Byrd, para un álbum de jazz contemporáneo con sabor brasileño. La alianza se forja principalmente en los términos de Byrd, con la bossa nova, la samba y la percusión del interior de Brasil dominando los ritmos. Esta vez, después de haber demostrado ser muy adaptable a experimentos anteriores, Tjader parece estar en el frío en estos escenarios, y se presenta mucho más a menudo de lo habitual en este álbum. Byrd se mueve en su manera suave y espinosa en guitarras acústicas y eléctricas, y la sección rítmica cambia el personal y los instrumentos de una pista a otra. Sin embargo, curiosamente, esta es una fiesta rica en música. La "Samba de Oneida" del pianista eléctrico Mike Wolff es una samba maravillosamente propulsora, y "Tereza My Love", uno de los durmientes más atractivos de Antonio Carlos Jobim, recibe una encantadora interpretación. El tema del título, escrito por Airto Moreira, recibe un auténtico y bullicioso tratamiento al estilo Airto, muy actual, pero Cal no se siente totalmente cómodo con el ritmo de las vibraciones, pasando la mayor parte de su tiempo en los timbales. Aunque no se trata de un Tjader de primera, la calidad general de la música lo convierte en un ganador.

The Hi-Fly Orchestra • Samboogaloo

The High-Fly Orchestra was founded in 2005 by Jerker Kluge and Florian Riedl. Though played by young musicians, who are influenced by all kinds of todays music, the intent was to create music that sounds as hip as the classic jazz records of the blue note era.

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La High-Fly Orchestra fue fundada en 2005 por Jerker Kluge y Florian Riedl. Aunque tocado por músicos jóvenes, que están influenciados por todo tipo de música de hoy, la intención era crear música que sonara tan moderna como los discos clásicos de jazz de la era de blue note.

VA • Girl From Ipanema-The Antonio Carlos Jobim Songbook

 

Review
by Richard S. Ginell
The first of several tribute albums issued just after Antonio Carlos Jobim's death, this one generally sticks to his most famous songs as interpreted by several Brazilian and American artists from PolyGram's archives. Jobim himself appears on such obvious choices as the best-selling Stan Getz, João Gilberto, and Astrud Gilberto hit "The Girl from Ipanema," and with Astrud on "Agua de Beber" and "Dindi," and again with Elis Regina on an "Aguas de Marco" that nearly breaks up with laughter. The American contributions are a mixed bag; Sarah Vaughan's "Corcovado," for example, is rather inappropriately overwrought but Wes Montgomery's "Insensatez" is a beautiful recording, with Jobim's favored arranger, Claus Ogerman, in top wistful form. The other jazzers on the CD are Billy Eckstine, Ella Fitzgerald, Oscar Peterson, Shirley Horn, and Dizzy Gillespie, proving that Jobim's timelessly aching music attracted quite a diverse cross-section of admirers.
https://www.allmusic.com/album/the-girl-from-ipanema-the-antonio-carlos-jobim-songbook-mw0000172666

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Reseña
por Richard S. Ginell
El primero de varios álbumes de homenaje publicados justo después de la muerte de Antonio Carlos Jobim, se ciñe en general a sus canciones más famosas interpretadas por varios artistas brasileños y estadounidenses de los archivos de PolyGram. El propio Jobim aparece en opciones tan obvias como el éxito de Stan Getz, João Gilberto y Astrud Gilberto "The Girl from Ipanema", y con Astrud en "Agua de Beber" y "Dindi", y de nuevo con Elis Regina en un "Aguas de Marco" que casi se rompe de risa. Las contribuciones americanas son un conjunto mixto; "Corcovado" de Sarah Vaughan, por ejemplo, es más bien inapropiadamente exagerado, pero "Insensatez" de Wes Montgomery es una hermosa grabación, con el arreglista favorito de Jobim, Claus Ogerman, en la mejor forma melancólica. Los otros jazzistas que aparecen en el CD son Billy Eckstine, Ella Fitzgerald, Oscar Peterson, Shirley Horn y Dizzy Gillespie, lo que demuestra que la música intemporal de Jobim atrajo a una gran variedad de admiradores.
https://www.allmusic.com/album/the-girl-from-ipanema-the-antonio-carlos-jobim-songbook-mw0000172666

Paulo Morello • Sambop

 

 

German jazz guitarist , composer and music producer.


paulomorello.com ...

João Donato • The New Sound Of Brazil

 

Review:
by Thom Jurek
This very evocative 1965 recording session was a cause for celebration not only among critics but among the bossa nova-crazed audiences of Brazil and the U.S, and it sold quite well. Donato is a jazz pianist first, and his allegiances in harmony and melody come from there first and foremost. But rhythmically and in his phrasing, he comes from the generation of Brazilian musicians who developed the bossa nova as an art form. His touch is light, his settings are lush and laid-back, and his playing is as much or more from his left hand as his right. Solos on these records are wonderfully improvised, but they reflect the sweet, gorgeous melodies on the front line of these tunes. As such, Donato comes across as an elegant pianist and ensemble player, establishing his individual touch as a leader in that left hand rhythmic bent where he loves those shaded keys. His finest compositions here are his own: the sensual "Amazon," the slightly sassy and savvy "It Didn't End," and his reading of Luiz Bonfá's "Samba de Orfeu," which rivals the original for its ambience and texture with a gorgeous string arrangement courtesy of conductor Claus Ogerman. This is one of Brazil's more moving and beautiful bossa albums, and should not be overlooked by recent fans of the genre or by jazz fans interested in the exotic side of the music.
https://www.allmusic.com/album/the-new-sound-of-brazil-piano-of-jo%C3%A3o-donato-mw0000460348

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Revisión:
por Thom Jurek
Esta sesión de grabación de 1965, muy evocadora, fue motivo de celebración no sólo entre los críticos sino también entre el público loco por la bossa nova de Brasil y Estados Unidos, y se vendió bastante bien. Donato es, ante todo, un pianista de jazz, y de ahí provienen, en primer lugar, su armonía y su melodía. Pero rítmicamente y en su fraseo, proviene de la generación de músicos brasileños que desarrollaron la bossa nova como forma de arte. Su toque es ligero, sus ajustes son exuberantes y relajados, y su forma de tocar es tanto o más de su mano izquierda como de la derecha. Los solos de estos discos son maravillosamente improvisados, pero reflejan las dulces y magníficas melodías en primera línea de estas melodías. Como tal, Donato se presenta como un elegante pianista y músico de conjunto, estableciendo su toque individual como líder en esa inclinación rítmica de la mano izquierda donde ama esas teclas sombreadas. Sus mejores composiciones aquí son las suyas: la sensual "Amazon", la ligeramente atrevida y astuta "It Didn't End", y su lectura de la "Samba de Orfeu" de Luiz Bonfá, que rivaliza con la original por su ambiente y textura con un magnífico arreglo de cuerdas cortesía del director Claus Ogerman. Este es uno de los discos de bossa más conmovedores y hermosos de Brasil, y no debería ser pasado por alto por los aficionados recientes al género o por los fans del jazz interesados en el lado exótico de la música.
https://www.allmusic.com/album/the-new-sound-of-brazil-piano-of-jo%C3%A3o-donato-mw0000460348

L.A. 4 • Pavane Pour Une Infante Defunte

 

Biography by Scott Yanow
Altoist/flutist Bud Shank and Brazilian acoustic guitarist Laurindo Almeida first teamed up in the 1950s to create music that predated but strongly hinted at bossa nova. In 1974, they reunited to form the L.A. Four with bassist Ray Brown and drummer Chuck Flores. With Shelly Manne and later Jeff Hamilton replacing Flores on drums, the L.A. Four recorded eight albums for Concord through 1982, breaking up shortly afterward. Their mixture of cool-toned bop, Brazilian-oriented music, and ballads was quite attractive.
https://www.allmusic.com/artist/the-la-4-mn0000090637#biography

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Biografía de Scott Yanow
El alto flautista Bud Shank y el guitarrista acústico brasileño Laurindo Almeida se unieron por primera vez en la década de 1950 para crear una música anterior a la bossa nova, aunque con fuertes guiños a ésta. En 1974, se reunieron para formar los L.A. Four con el bajista Ray Brown y el batería Chuck Flores. Con Shelly Manne y más tarde Jeff Hamilton sustituyendo a Flores en la batería, los L.A. Four grabaron ocho álbumes para Concord hasta 1982, separándose poco después. Su mezcla de bop fresco, música brasileña y baladas era bastante atractiva.
https://www.allmusic.com/artist/the-la-4-mn0000090637#biography

Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Tom Jobim & Sérgio Mendes • Tom Jobim & Sérgio Mendes

This is described on the cover somewhat disingenuously as a collaborative album, when in fact it is a compilation. Five of the tracks (not one continuous side, as suggested by the liner notes) are taken from Mendes' 1965 album Bossa Nova York/The Swinger From Rio. The other six tracks are from second session with Caymmi and his son Dori. The Mendes tracks alternate with the Caymmi tracks. Jobim is the only constant.
https://www.discogs.com/release/3635129-Antonio-Carlos-Jobim-S%C3%A9rgio-Mendes-Antonio-Carlos-Jobim-S%C3%A9rgio-Mendes

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Esto se describe en la portada de manera un tanto engañosa como un álbum colaborativo, cuando en realidad es una compilación. Cinco de las pistas (no un lado continuo, como sugieren las notas) están tomadas del álbum de Mendes de 1965 Bossa Nova York / The Swinger From Rio. Los otros seis temas son de la segunda sesión con Caymmi y su hijo Dori. Las pistas de Mendes se alternan con las pistas de Caymmi. Jobim es la única constante.
https://www.discogs.com/release/3635129-Antonio-Carlos-Jobim-S%C3%A9rgio-Mendes-Antonio-Carlos-Jobim-S%C3%A9rgio-Mendes

Marcos Ariel • Piano Com Tom Jobim

 

Biography by Alvaro Neder
Since the '70s, Marcos Ariel has dedicated himself to Brazilian instrumental music and jazz, reaching international status throughout the next decade. Ariel studied classical music in his childhood, being attracted to jazz later by the likes of Hermeto Pascoal and Chick Corea. He formed his first band, Grupo Usina, in 1978. His debut album, Bambu, was released in Brazil and France. In Brazil, it was awarded with the Chiquinha Gonzaga prize in 1983. In 1986, Ariel participated in São Paulo's Free Jazz Festival, and in the next year, along with his participation in Rio's edition of the same festival, he recorded the memorable Banda Zil with Ricardo Silveira, Zé Renato, and others. But it was Terra do Índio (1988) that projected him in the U.S., a country in which Ariel has been performing regularly ever since.
https://www.allmusic.com/artist/marcos-ariel-mn0000953860/biography

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Biografía de Alvaro Neder
Desde los años 70, Marcos Ariel se ha dedicado a la música instrumental brasileña y al jazz, alcanzando un estatus internacional a lo largo de la siguiente década. Ariel estudió música clásica en su infancia, y más tarde se sintió atraído por el jazz de la mano de artistas como Hermeto Pascoal y Chick Corea. Formó su primera banda, el Grupo Usina, en 1978. Su primer álbum, Bambu, se publicó en Brasil y Francia. En Brasil, recibió el premio Chiquinha Gonzaga en 1983. En 1986, Ariel participó en el Festival de Jazz Libre de São Paulo, y al año siguiente, junto con su participación en la edición de Río del mismo festival, grabó la memorable Banda Zil con Ricardo Silveira, Zé Renato y otros. Pero fue Terra do Índio (1988) el que le proyectó en Estados Unidos, país en el que Ariel actúa regularmente desde entonces.
https://www.allmusic.com/artist/marcos-ariel-mn0000953860/biography


www.marcosariel.com ...


Colaborador / Contributor:  Pere

Walter Wanderley • Pure Bossa Nova

 

 

 

Artist Biography by Alvaro Neder

Walter Wanderley was a talented and gifted organist with an acute ear for new harmonies. With 46 recorded solo albums in his entire career, both in Brazil and the U.S., he reached number 26 on the Billboard pop charts in September 1966, opening a large pathway of success only menaced by himself and his complex character. Ten years after his death from cancer, with a new fad coming, he was repackaged by the entertainment industry as a mere lounge player, carrying his record sales even further and sending the cost of his out-of-print albums to the stratosphere, but all at the cost of minimizing his significance. It is forgotten that the time lag worked against him and what today is lounge music was then innovative and revolutionary. With all those fans of samba-canção divas feeling personally insulted by those percussive rhythms reminiscent of a Brazilian black tradition that was not dear to the average Brazilian, it has to be stressed that the bossa nova movement, and Wanderley within it, had the role of affirming Brazilian identity in a broader cultural industry which was developed out of the folkloric redoubts. In fact, he also has an upbeat production full of that energy provided by his distinctive staccato stuttering style, immediately reminiscent of authentic Brazilian rhythmic and percussive impetus. He also improvised extended melodic solos without reheated licks, but that was obviously also left out of his most popular albums.

At five, he was already playing the piano. At 12, he attended the Licee of Arts for a year of theory classes, later studying harmony and arranging. Beginning his professional career while still in Recife, a most lively city with a vibrant cultural life, he worked every night either at the piano or at the organ. At 26, in 1958, he moved to São Paulo and immediately became an active player in nightclubs such as the Claridge, the Captain's Bar, and Oásis. Wanderley's first recording was in August 1959 for Odeon, with Carlos Lyra's "Lobo Bobo." Backing his wife, Brazilian singer Isaurinha Garcia (with whom he had a daughter, Monica), he recorded for the second time one month later. At that time, he was Garcia's accompanist and arranger. He would record another six LPs accompanying Garcia and another 19 solo albums in Brazil for several labels; he was left out of some of the credits because of his contract with Philips. Wanderley became known on the artistic scene for recording young artists, like Marcos Valle, Tom Jobim, João Donato, and others, until then with no expression out of the little nightclubs in which they performed on a nightly basis. But as the tunes and arrangements were fun to dance to, the albums sold very well. João Gilberto's João Gilberto (later reissued as O Mito in Brazil and as The Legendary João Gilberto in the U.S. in 1990 by World Pacific) from 1961 also had Walter in it. An impatient Wanderley then bent under Gilberto's oppressive, meticulous direction on March 10. That was the third album Gilberto was recording for Odeon and would be the last. Until then, Gilberto had Tom Jobim as pianist and Aluísio de Oliveira as producer. In spite of his frequent discussions with de Oliveira, the producer was the person who mediated Gilberto's hard relationship with Jobim. But de Oliveira had left Odeon the previous September, and Jobim didn't want to be scheduled for that recording. Gilberto, not knowing how to write music, insisted on expressing his musical vision of overall arrangements by singing, and that not only included the tones themselves, but the expression, timbre, and articulation. This drove Wanderley mad, especially with a certain sound effect of a boat's siren for "O Barquinho" ("Little Boat"), which was never good enough for Gilberto. The next day, Gilberto interrupted the recording of that album, only resuming it five months later with Jobim as musical director. Wanderley went on with his career and life, beginning an association with singer Claudette Soares in 1963, as an arranger and accompanist. His marriage was broken at this period. He also recorded for several renowned Brazilian singers in that time, among them Dóris Monteiro and Geraldo Vandré. It was when Tony Bennett saw Wanderley during a Brazilian tour and was taken by his playing. He urged Wanderley to move to the U.S. and, he himself talked about him to Verve Records producer Creed Taylor, also giving Taylor some of Wanderley's albums. After some insistence, Taylor sent contracts for Wanderley and his trio to record a single. So in 1966, they recorded brothers Marcos and Paulo Sérgio Valle's "Samba de Verão" ("Summer Samba"). It was an instant success, with radio stations playing it four or five times per hour. In that same year, the LP Rain Forest came out, also selling very well and was certified platinum (one million units sold) in two years. The trio accompanied Astrud Gilberto on her A Certain Smile, a Certain Sadness album, also in 1966. He would record six more solo LPs or singles for Verve until the next year, and ten more in his career in the U.S. He always sold well and had a full performing schedule, in which local presentations at the San Francisco area were interspersed with some tours to Mexico. He never did return to Brazil after moving to the U.S. and he went on with his life until death caught up with him.

https://www.allmusic.com/artist/walter-wanderley-mn0000230478/biography

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 Biografía del artista por Alvaro Neder

Walter Wanderley era un organista talentoso y dotado con un oído agudo para las nuevas armonías. Con 46 discos en solitario grabados en toda su carrera, tanto en Brasil como en Estados Unidos, alcanzó el número 26 en las listas de éxitos de Billboard en septiembre de 1966, abriendo un gran camino de éxito sólo amenazado por él mismo y su complejo personaje. Diez años después de su muerte por cáncer, con una nueva moda que se avecinaba, fue reempaquetado por la industria del entretenimiento como un simple jugador de salón, llevando sus ventas de discos aún más lejos y enviando el costo de sus álbumes agotados a la estratosfera, pero todo a costa de minimizar su importancia. Se olvida que el desfase temporal le perjudicó y que lo que hoy en día es música de salón era entonces innovadora y revolucionaria. Con todos esos fanáticos de las divas de la samba-canção sintiéndose personalmente insultados por esos ritmos percusivos que recuerdan a una tradición negra brasileña que no era querida por el brasileño promedio, hay que subrayar que el movimiento bossa nova, y Wanderley dentro de él, tuvo el papel de afirmar la identidad brasileña en una industria cultural más amplia que se desarrolló a partir de los reductos folclóricos. De hecho, también tiene una producción optimista llena de esa energía que le proporciona su distintivo estilo de tartamudeo del staccato, que recuerda inmediatamente el auténtico impulso rítmico y percusivo brasileño. También improvisó solos melódicos extendidos sin lametones recalentados, pero eso obviamente también fue dejado fuera de sus álbumes más populares.

A los cinco años, ya tocaba el piano. A los 12 años, asistió a la Licenciatura de Artes durante un año de clases de teoría, para luego estudiar armonía y arreglos. Comenzó su carrera profesional en Recife, una ciudad muy animada con una vibrante vida cultural, donde trabajó todas las noches, ya sea en el piano o en el órgano. A los 26 años, en 1958, se trasladó a São Paulo e inmediatamente se convirtió en un jugador activo en clubes nocturnos como el Claridge, el Captain's Bar y Oásis. La primera grabación de Wanderley fue en agosto de 1959 para Odeon, con "Lobo Bobo" de Carlos Lyra. Apoyando a su esposa, la cantante brasileña Isaurinha García (con quien tuvo una hija, Mónica), grabó por segunda vez un mes después. En ese momento, era el acompañante y arreglista de García. Grabaría otros seis LPs acompañando a García y otros 19 álbumes en solitario en Brasil para varios sellos; fue excluido de algunos de los créditos debido a su contrato con Philips. Wanderley se dio a conocer en la escena artística por la grabación de jóvenes artistas, como Marcos Valle, Tom Jobim, João Donato, y otros, hasta entonces sin expresión alguna de los pequeños clubes nocturnos en los que actuaban todas las noches. Pero como las canciones y los arreglos eran divertidos para bailar, los álbumes se vendieron muy bien. João Gilberto de João Gilberto (más tarde reeditado como O Mito en Brasil y como The Legendary João Gilberto en los EE.UU. en 1990 por World Pacific) de 1961 también tenía a Walter en él. Un Wanderley impaciente se inclinó bajo la opresiva y meticulosa dirección de Gilberto el 10 de marzo. Ese fue el tercer álbum que Gilberto estaba grabando para Odeon y sería el último. Hasta entonces, Gilberto tenía a Tom Jobim como pianista y a Aluísio de Oliveira como productor. A pesar de sus frecuentes conversaciones con de Oliveira, el productor fue la persona que mediaba en la dura relación de Gilberto con Jobim. Pero de Oliveira había dejado Odeon el pasado septiembre, y Jobim no quería que se le programara para esa grabación. Gilberto, sin saber escribir música, insistió en expresar su visión musical de los arreglos globales a través del canto, y eso no sólo incluía los tonos en sí mismos, sino también la expresión, el timbre y la articulación. Esto volvió loco a Wanderley, especialmente con un cierto efecto sonoro de la sirena de un barco para "O Barquinho" ("El Barquito"), que nunca fue suficiente para Gilberto. Al día siguiente, Gilberto interrumpió la grabación de ese disco y sólo lo reanudó cinco meses después con Jobim como director musical. Wanderley continuó con su carrera y su vida, comenzando una asociación con la cantante Claudette Soares en 1963, como arreglista y acompañante. Su matrimonio se rompió en este período. También grabó para varios cantantes brasileños de renombre en esa época, entre ellos Dóris Monteiro y Geraldo Vandré. Fue cuando Tony Bennett vio a Wanderley durante una gira brasileña y se dejó llevar por su forma de tocar. Instó a Wanderley a mudarse a los Estados Unidos y él mismo habló de él con el productor de Verve Records, Creed Taylor, dándole también a Taylor algunos de los discos de Wanderley. Después de alguna insistencia, Taylor envió contratos para que Wanderley y su trío grabaran un sencillo. Así que en 1966, grabaron a los hermanos Marcos y Paulo Sérgio Valle "Samba de Verão" ("Samba de verano"). Fue un éxito instantáneo, con estaciones de radio que lo tocaban cuatro o cinco veces por hora. En ese mismo año, el LP Rain Forest salió a la venta, también se vendió muy bien y fue certificado platino (un millón de unidades vendidas) en dos años. El trío acompañó a Astrud Gilberto en su álbum A Certain Smile, a Certain Sadness, también en 1966. Grabaría seis LPs o singles más para Verve hasta el próximo año, y diez más en su carrera en los Estados Unidos. Siempre se vendió bien y tenía un programa completo de presentaciones, en el que las presentaciones locales en el área de San Francisco se intercalaban con algunas giras a México. Nunca regresó a Brasil después de mudarse a Estados Unidos y continuó con su vida hasta que la muerte lo atrapó.

https://www.allmusic.com/artist/walter-wanderley-mn0000230478/biography

Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator

VA • The Bossa Nova Exciting Jazz Samba Rhythms - Vol 1 of 6

 

The Bossa Nova: Exciting Jazz Samba Rhythms is a six-volume series of music highlighting some of the beautiful music of Brazil, shown by the artists of the country along with outsiders who too have fallen in love with the bossa nova. The first five volumes were released by Rare Groove Recordings in 2000 and due to its success, a sixth and final version was released two years later, highlighting some of the bossa nova music used in motion pictures. Some of the material are sourced from vinyl.

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Traducción Automática:

Bossa Nova: Exciting Jazz Samba Rhythms es una serie de seis volúmenes de música que destaca algunas de las bellas músicas de Brasil, mostradas por los artistas del país junto con extraños que también se enamoraron de la bossa nova. Los primeros cinco volúmenes fueron lanzados por Rare Groove Recordings en 2000 y, debido a su éxito, se lanzó una sexta y última versión dos años más tarde, destacando parte de la música de bossa nova utilizada en las películas. Algunos de los materiales provienen de vinilo.